Paola Iacopetti

Una simbiosi intima e introspettiva con la natura. Natura intesa e sentita come essenza di vita, filtro attraverso il quale è possibile osservare e conoscere il mondo e sé stessi: così le immagini di Paola Iacopetti ci svelano, ben oltre ciò che i suoi occhi colgono, quello che essa sente.

La fotografia giunge come un’epifania nell’iter di Iacopetti, che da subito l’accoglie come un dono e la traduce in visioni perfettamente ancorate al dato fenomenico, eppure già portatrici in potenza di quella poesia subliminale che trascende la realtà sensibile.

In Pareidolia (2019), il bosco, soggetto caro alla fotografa, si anima e assume sembianze ora antropomorfe, ora zoomorfe; evoca emozioni e stati d’animo, ma anche rimandi ad una dimensione altra, in equilibrio tra fantasia e ironia. Lovers, Little Friends, Together, Sexy Snail, Dragoon sono solo alcune delle denominazioni scelte: titoli come portatori simbolici di una vena immaginifica, capace di creare connessioni armoniche tra scatti all’apparenza strettamente figurativi.

Suona come un’affermazione d’intenti e manifesto poetico I can see (and feel), scatto del 2017, che dichiaratamente pone in luce un concetto fondamentale per comprendere la sua opera. Uno sguardo, invero, afferente ad una visione intima, proiettata verso quello che lei ama definire il Giardino dell’anima. Anche quando la fotografa rappresenta il mondo fisico e tangibile, ciò che ella vede ed evoca attraverso la fotografia appartiene allo spirito: da esso muove e ad esso ritorna, come a disegnare un circolo infinito. A questo aspetto devono essere riferiti anche gli elementi più carnali o comunque legati alla sfera sensoriale: non solo odori, sapori, suoni e vibrazioni tattili, ma anche germinazioni recondite sull’eros e sul femminino. Tali particolari, prima ancora che dai suoi statements, emergono dalla galleria di immagini del progetto Joy. Elf’s Hug, The Gate, Hermaphrodite, Light Spiral (2021) non possono essere ristretti al richiamo di un amore giocoso, ovvero all’idilliaca forza di cui è portatrice la natura. Infatti, oltre ad una sorta di joie de vivre, che il fiore con le sue note di purezza e linearità trasmette, si scorgono i sentori di una riflessione latente entro certi contrasti formali. Sagome rotonde e morbide, unite a profili acuminati e perforanti; cromie accese, stemperate da sinfonie di bianchi intensi e ottici; tagli e sospensioni viscerali: sotto il tappeto vibrante di ninfee di Hommage to Claude Monet (2016), esiste il sommerso, la profondità dell’acqua e della terra, che trattiene, culla e nutre gli apparati radicali di un’esistenza che è dato vedere e apprendere in maniera compiuta solo in superficie.

L’analisi del profondo è un tema che riguarda anche l’interpretazione dell’arte: Okeanòs (2020) sposta il peso dell’occhio interiore verso consistenze antiche, rimarcando una forte inclinazione al primitivismo intellettuale. Se, come scrive Iacopetti, “Okeanòs è  un viaggio alle origini: dell’universo, della vita”, Heaven (2018 – 2021) ci accompagna in un limen, in bilico tra una mimesi del reale e uno sguardo endoscopico ed epidermico. Astrazione e luce in crescendo, a (di)mostrare che, tutto il corpus embrionale sotteso alla progettualità ab origine, assume definizione manifesta nelle opere più recenti, tracciando i profili di nuove visioni. Il futuro è imminente nei frammenti di Eos (2021), nei quali si segna il superamento della realtà oggettiva, lasciando dietro di sé ogni residuo di parvenza figurativa. I fiori e le loro componenti non rappresentano più ciò che sono e subiscono una completa metamorfosi, che unisce uomo e natura alla ricerca delle “radici”.

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